La noche estrellada (1889).

Vincent Van Gogh nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia.
En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat. El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.
Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Aunque parezca que el cuadro fué pintado de noche, lo hizo pintó durante el día. Lo pintó a mediados de 1889, trece meses antes de suicidarse. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este cuadro está considerado la gran obra de Van Gogh y ha sido reproducido en varias ocasiones. Como podemos observar en el primer plano hay un ciprés, planta que a Van Gogh le gustaba mucho. El cuadro está echo con pinceladas, ya que si nos acercamos no podemos distinguir que es cada cosa. Esas pinceladas estan echas en forma de círculos y es lo que hace que se tan bello este cuadro. Este cuadro me gusta mucho porque me parece increible que lo halla dibujado de día y en el cuadro se relfeje lo que ve desde la ventana de su habitación pero de noche.

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El Grito (1893).

Este cuadro lo pintó Edvard Munch. Nació el 12 de Diciembre de 1863 en Löten, Noruega, y comenzó a pintar a la edad de 17 años, consiguió una beca en 1885 y se pudo marchar a estudiar a París.En 1908 una profunda depresión le conduce a un sanatorio mental, algo restablecido, regresa a su Noruega natal y se retira a trabajar, hosco, acosado por sus fantasmas, en una granja cerca de Oslo, en estricta soledad, en absoluto aislamiento.
Falleció el 23 de enero de 1944, cuando Europa era devastada por la locura nazi y la tenaza aliada, como si la historia quisiera darle, tristemente, la razón.

Con este cuadro Munch intenta expresar el miedo que tiene el hombre a el fin del siglo. La situación personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: tiene una personalidad depresiva y esta traumatizado con las mujeres a las cuales odia e intenta retratar lo más tétricamente posible. En el momento de pintar el cuadro, acaba de fallecer su madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral. El simbolismo de la imagen se refleja en el rostro del protagonista que se encuentra en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. Munch usa colores violentos con los que intenta transmitir al espectador su agitado estado de ánimo. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos que se encuentran en segundo plano. Las formas de esas dos personas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios. Tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor. He elegido este cuadro porque es uno de los más famosos de Edvard Munch. En este cuadro Munch interpreta su estado de ánimo ya que siempre fue una persona muy depresiva.

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Guernica.

El Guernica es una de las obras más tristes que se han pintado ya que representa un acercamiento a lo que significa una guerra, en este caso, un bombardeo. La pintó Pablo Ruiz Picasso en el año 1937. Pablo Ruiz Picasso, también conocido como Pablo Picasso fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Se declaraba pacifista y comunista. Falleció el 8 de abril de 1937 en Notre-Dame-de-Vie.

A la izquierda del cuadro hay un toro con el cuerpo oscuro y la cabez blanca.
Bajo el toro se ve a una mujer, cuyo dolor está representado en sus ojos que tienen forma de lágrimas, al sostener en sus brazos a su hijo ya muerto, por eso el niño no tiene pupilas en sus ojos. En el suelo aparece un hombre descuartizado, que se convierte en el símbolo visual de la matanza. En el centro del cuadro la yegua es el símbolo del dolor máximo. Desde la parte derecha entra una mujer con las nalgas al descubierto; sobre este hecho existe una anécdota que dice que con el cuadro sin terminar Pablo Picasso dijo que a la mujer le faltaba algo y fue a por un rollo de papel que le pegó en la mano, queriendo decir que el bombardeo sorprendió a la mujer en el baño. Por la ventana entra una mujer de un modo surrealista. Totalmente a la derecha aparece una mujer que cae envuelta en llamas de un edificio que arde. Finalmente si observamos hacia donde se dirigen las miradas de los personajes vemos que los que están ubicados desde la yegua hacia la derecha miran hacia el lado izquierdo, incluida la yegua. Es un cuadro pintado en un tiempo de guerra. He elegido este cuadro ya que representa lo mal que se vivía en aquella época a causa de la guerra.

El sueño.

El sueño es una obra del pintor Gustave courbet. La pintó en el año 1866 y actualmente se encuentra en el Museo del Petit-Palais, de París, Francia. Se trata de un cuadro de carácter sensual. Lo protagonizan dos mujeres desnudas durmiendo sobre unas cortinas de terciopelo puestas sobre una cama. Trataba un tema morboso para la época: la relación sexual entre dos mujeres. Se cree que, por la expresión del rostro, la mujer de cabellos rubios tiene un sueño erótico. En primer plano, sobre una mesita de madera, hay un cáliz y un collar de perlas roto, representando este último símbolo de arrepentimiento. He elegido este cuadro porque
en aquella época también se veía mal que dos personas del mismo sexo estuvieran juntas por el mero hecho de ser homosexual.

Saturno devorando a un hijo.

Saturno devorando a su hijo es una obra del pintor Goya. La pintó entre los años 1820-1823 y está expuesta en el Museo del Prado de Madrid. Esta obra refleja como Saturno devora a su hijo tras saber que de no ser así este terminaría por destronarle. La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente en la cara de Saturno y al cuerpo de su hijo. No es una obra muy realista ya que es una obra inventada por Goya. Saturno devorando a su hijo pertenece a la pintura pre-expresionista. Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas del Imperio Francés, al mando de Napoleón, invadieron España y como el pueblo español fue reprendido por los franceses. Napoleón y su ejercito sería Saturno mientras que su hijo sería el pueblo español. Por lo tanto es una crítica hacia las tropas napoleónicas. He elegido este cuadro porque me parece muy fuerte ver como un padre se como a su hijo.

Oficial de cazadores a la carga.

Oficial de cazadores a caballo de la guardia imperial, a la carga la pintó Théodore Géricault en el año 1812. Fue su primera gran obra y se presentó por primera vez en el Salón de París en 1812. Esta obra se le ocurrió a Géricault cuando, estando en una fiesta, el ruido hizo que un caballo se pusiera nervioso de repente y rápidamente hizo una serie de bocetos. Gracias a esta pintura consiguió la medalla de oro en el Salón de París en 1812. La obra representa a un oficial de caballería sobre su caballo, preparado para atacar. El ruido de los cañones encabrita al caballo. De esta manera el oficial queda por encima del polvo de la batalla. El cuadro mide 349 cm de alto por 266 cm de ancho.

El Temerario remolcado a dique seco (Turner).

El Temerario remolcado a dique seco es una de las obras más conocidas del pintor William Turner.La pintó en 1838 y mide 91 centímetros de alto y 122 centímetros de ancho.Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).La pintura representa una escena en la que Turner fue testigo: el destino final del HMS Temeraire, en el momento en el que es remolcado desde la base de la flota, Sheerness, en la desembocadura del Támesis, hasta su destino final: el desguazador. Es una reflexión sobre el fin del imperio inglés de como los días de gloria ya han pasado y el que fuera el mayor símbolo del poder del ejército inglés, navega rumbo a su muerte. Era uno de los cuadros preferidos de Turner por eso lo he elegido.