Composición con amarillo, azul y rojo (1937-40)

Este cuadro fue pintado por Mondrian. Nació en Amersfoort el 7 de marzo de 1872, su nombre verdadero era Pieter Cornelis Mondriaan, nació en el seno de una familia calvinista de estricta observancia. Su padre, maestro de escuela, pretendía que el hijo le sucediera en el oficio. Sólo a regañadientes admitió que Piet se formara en la técnica del dibujo, con tal que luego se dedicara a enseñarlo.

Llevó el arte abstracto hasta sus últimas consecuencias. Por medio de una simplificación radical, tanto en la composición como en el colorido, intentaba exponer los principios básicos que subyacen a la apariencia.

Falleció el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.

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Pocos saben que Mondrian empezó el cuadro en París en torno a 1937 y que no lo acabó hasta 1940 en Nueva York después de vivir un período en Londres. En este cuadro se limitó a líneas rectas y colores básicos, como en lo más destacado y perdurable de su legado artístico. Estructura la composición en una serie de líneas verticales y horizontales que se superponen en la organización de una rejilla bastante desigual. 'Composición con amarillo, azul y rojo' es el ejemplo maduro de la búsqueda de neoplasticismo. Por esa razón, su autor tardó tanto tiempo en terminarlo. Con ella Piet Mondrian creó una realidad y puso las bases de una nueva expresión plástica lo que no solo lo convierte en una de las obras imprescindibles para todo amante del arte sino también en uno de los referentes para comprender la aparición del arte abstracto.

He elegido este cuadro porque nunca habia visto uno parecido antes, ya que pensaba que un cuadro no podia ser varias lineas y varios colores sin tener un significado en concreto.

http://mujer.hispavista.com/arte/21678/composicion-con-amarillo-azul-y-rojo

Desnudo Recostado (1919)

Este cuadro fue pintado por Amadeo Modigliani. Tuvo la típica vida de la bohemia parisiense de principios de siglo. Modigliani nació en Livorno y se trasladó, en 1906, a París, donde pronto tomaría contacto con los artistas de la vanguardia francesa, integrándose en lo que es llamada “la Escuela de París”, que no es un movimiento uniforme, sino más bien, un grupo de artistas independientes que coincidieron en París durante los primeros años de siglo, pero manteniendo su estilo particular y no incurriendo en ningún movimiento vanguardista.

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En este cuadro se geometriza, sin llegar al cubismo, la figura de la mujer. Intenta darle sensualismo al cuerpo de la mujer alargando el torso y dándole importancia a las curvas. La modelo que se muestra en el cuadro es su compañera sentimental Jeanne Hèbuterne con la cual estará hasta el momento de su muerte. En el cuadro Jeanne Hèbuterne está recostada y tomando una siesta. Modigliani no retocaba sus pinturas, de ahi que algunos dijera que pintaba hasta el alma de sus modelos. Al año siguiente de pintar este cuadro, Modigliani muere y a los dos días Jeanne Hèbuterne se suicida embarazada de 9 meses.

He elegido este cuadro porque la historia de amor entre Modigliani y Jeanne Hèbuterne me ha encantado.

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El asesino amenazado (1926).

René François Ghislain Magritte (1898-1967).


Nació en Lessines, (Bélgica) figura principal del movimiento surrealista. En 1927 ya había empezado a pintar en un estilo cercano al surrealismo, que predominó a lo largo de su larga carrera. Diestro y meticuloso en su técnica, es notable por obras que contienen una extraordinaria yuxtaposición de objetos comunes en contextos poco corrientes dando así un significado nuevo a las cosas familiares. Esta yuxtaposición se denomina con frecuencia realismo mágico, del que Magritte es el principal exponente artístico.


Entre 1943 y 1946 adoptó un estilo impresionista, pero a finales de esa década volvió a su estilo habitual.

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En el fondo del cuadro podemos observar el cuerpo de una mujer desnuda que yace muerta encima de un sofá. El hombre que está de pie al lado del gramófono parece ser el asesino de la mujer y está aparentemente preparándose para marcharse ya que tiene el sombrero y el abrigo encima de una silla. Los dos hombres que están a los lados son, al parecer, policías armados que están esperando el momento oportuno para detenerlo. de nuevo, al fondo, encima de la mujer, hay tres hombres que están observando lo que está ocurriendo. "El asesino amenazado" debe tener su origen en las novelas y películas policíacas, que le fascinaban a Magritte.

Una de las cosas mas inquietantes del cuadro es que la mirada de los tres testigos del fondo se cruce con la nuestra.

He elegido este cuadro porque es fácil de entender lo que sucede en el.

http://clogersconcepcion.blogspot.com/2006/11/el-asesino-amenazado-1926-ren-magritte.html

El carnaval del Arlequín (1924-25).

Este cuadro lo pintó joan Miró. Nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes, para mas tarde estudiar en la academia de Francesc Galí, pedagogo eminente, que aceptó las limitaciones gráficas del alumno para potenciar su agudo sentido del color.

En 1919 viaja por primera vez a París. Conoce a Picasso, concluye su Autorretrato que regala al amigo. Ya instalado en la capital del Sena y de la revolución artística, libera su mundo interior conquistando una nueva heterodoxia expresiva gracias al frecuente contacto con lo más granado de la vanguardia del momento.

Falleció el día de Navidad de 1983, a las tres de la tarde, en su domicilio palmesano de son Abrines.

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En este cuadro observamos que aparecen animales y personajes. Para los surrealistas, a través de la influencia de Lautreamont, lo que de los animales y la naturaleza se extrae es lo monstruoso y lo violento. Estos elementos desaparecen en esta obra, en la que Miró opta por mostrar lo grotesco, humorístico y lúdico que hay en los carnavales donde gracias a las máscaras que llevan, consiguen mostrar una apariencia enañosa. Miró lo que hace es mostrarnos su realidad. A pesar del aparente desorden en el que los diferentes personajes se sitúan hay un orden de carácter cromático, un juego zigzagueante de colores gracias a los cuales saltamos de un personaje a otro. Miró consigue en este cuadro plasmar la autonomía de las figuras. En el cuadro hay dos personajes hablando. En esa conversación hay elementos a destacar para Miró: estos personajes son animales, perp para el espectador puede ser otra cosa.

He elegido este cuadro porque cuando lo vi no sabia que significaba y quise buscar información para saberlo.

http://www.terra.es/personal/asg00003/miro/carnaval.html

La Última Cena (1955).

El cuadro La Última Cena fue pintado por Salvador Dalí (1904-1989). Nació en Figueras, Girona, el 11 de mayo de 1904; Pintor y escultor, es uno de los máximos exponentes del movimiento surrealista. Formado en la Escuela de Bellas Artes de Madrid, es expulsado por indisciplina.

En 1929, durante su estancia en París, conoció a Pablo Picasso y en 1930 se adhirió al movimiento surrealista, del que más tarde fue relegado por sus ideas comerciales. La producción de Dalí de este periodo se basa en las teorías de Freud: representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes.

La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Falleció el 23 de enero de 1989 en Figueras.

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Este cuadro también se conoce con el nombre de El sacramento de la Úlima Cena. Es uno de los cuadros más famosos de Dalí. Es un óleo sobre lienzo, mide 167 x 268 cm y se encuentra en la Galería Nacional de Arte de Washington DC. Esta obra es una representación moderna de la famosa Última Cena de Leonardo da Vinci. El cuadro está muy relacionado con el número doce. Al fondo de la sala se vislumbra un paisaje al amanecer. Esa escena refleja un paisaje típico recordando al mar y las rocas que podría ver el propio Dalí. Cristo se encuentra en el centro y alrededor de él están los discípulos rezando. Cada discípulo lleva una túnica distinta y parecen personas de distintas razas y países. Cristo y los discípulos rodean una mesa de piedra en la cual hay un vaso de vino y un trozo de pan. Si observamos al Cristo, vemos que no está representado como es habitual e incluso para estar pintado tranparente ya que a través de él podemos ver una barca que hay sobre el agua.
He elegido este cuadro porque, aunque no soy creyente, me ha gustado mucho los colores qe utiliza y porque ha dibujado a los discípulos de diferentes sitios sin importarle la religion o la raza y en aquella época habia mcho racismo.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_%C3%9Altima_Cena_(Dal%C3%AD)

Almuerzo de remeros 1881.

Pierre Auguste Renoir nació el 25 de Febrero de 1841 en Limoges. Estudió en la Academia de Bellas Artes y en la Academia del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre. Alcanzó reconocimiento como pintor impresionista en 1874 haciéndose famoso por sus pinturas resplandecientes e íntimas, por la armonía de sus lineas, la brillantez de su color y el encanto íntimo de sus mas variados temas pictóricos.
Durante los últimos 20 años de su vida padecío una artritis que le imposibilitaba para mover las manos libremente por lo que pintaba con un pincel atado al brazo.
Falleció el 3 de Diciembre de 1919 en Cagnes, al sur de Francia.

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Para pintar este cuadro reunió a sus amigos más cercanos y modelos en una famosa terraza de París y a orillas del Sena. La mujer que se encuentra a la izquierda del cuadro con un gorro de flores, se convirtió más tarde en mujer de Renoir. Al lado de ella se encuentra Alphonse Fournaise el dueño del restaurante. Detrás de Alphonse Fournaise está su hija escuchando y observando lo que sucede allí. El hombre que se encuentra en primer plano a la derecha es Gustave Caillebotte un talentoso pintor. A su derecha se encuentra una famosa actriz que habitualmente posaba para Renoir. Detrás de ellos aparece un trío formado por varios amigos de Renoir. En el centro, al final del cuadro, se encuentran la modelo favorita de Renoir y el hijo del propietario del restaurante fumándose un cigarrilo. En este cuadro destaca la gran luminosidad. ES un óleo sobre lienzo y se encuentra en el Philips Memorial Gallery, Washington, D.C.

http://www.historiadelarte.us/impresionismo/renoir-el-almuerzo-de-los-remeros.html

Mujeres en el jardín 1867.

Claude Monet nació en París el 14 de Noviembre de 1840, en el seno de la familia de un comerciante de ultramarinos venido a menos que se vio obligado, cuando el hijo tenía cinco años, a trasladarse a las costas atlánticas de Le Havre. En 1855 conoció a Boudin, quien le animó a acometer con mayor seriedad su arte. Al año siguiente se trasladó a París y se inscribió en la Académie Suisse, donde conoce a Pissarro con quien acudirá a la Brasserie de Martyrs. Trabajó junto a Bazille, Sisley y Renoir; juntos, por disensiones con el académico, abandonan París por la aldea de Chailly-en-Biére, cerca de Barbizon en el bosque de Fontainebleau. Pintó casi hasta el momento de su muerte acaecida el 26 de diciembre de 1926 en Giverny. (http://pintura.aut.org/)

Mujeres en el jardín es un cuadro del pintor impresionista Claude Monet. Lo pintó en el año 1867. Mide 256 cm de alto por 208 cm de ancho. Actualmente se encuentra en el museo del Louvre en París, Francia. La tela sobre la que fue pintado este cuadro, fue rechazada en el Salón de París. El cuadro representa un día de verano en el que varias mujeres, con vestidos blancos, se divierten en un jardín de flores. Monet tomó a su mujer como modelo de esta obra. La verdadera protagonista del cuadro es la luz que se refleja en los árboles, los vestidos, las flores, los cabellos de las mujeres, etc. Los reflejos luminosos y las sombras coloreadas envuelven a los personajes que se presentan en actitudes naturales.

La noche estrellada (1889).

Vincent Van Gogh nació en Groot-Zunder, en el Brabante holandés, el 30 de marzo de 1853, pero vivió la mayor parte de su vida en Francia.
En un principio su obra está influenciada por los impresionistas y por la obra de los grabadores japoneses Hiroshige y Hokusai, pero mas tarde adopta los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat. El 17 de mayo, salido del manicomio de Saint-Remy, llega a París y prosigue camino hacia Auvers, donde le atiende el doctor Gachet, amigo de Cézanne y admirador de Vincent. Los cipreses, los cielos, los caminos, las iglesias y trigales tiemblan. Van Gogh descubre la energía total que unifica el universo. Pero los cielos, sobre los trigales de oro, se van ennegreciendo, la muerte se convierte en un segador que sonríe a Van Gogh. Y en medio de esos trigales, el 27 de julio, en un gesto de impaciencia y de dolor se dispara un tiro en el pecho.
Falleció el 29 de julio a la una y media de la madrugada en brazos de su hermano Theo.

El cuadro muestra la vista exterior durante la noche desde la ventana del cuarto del sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence, donde se recluyó hacia el final de su vida. Aunque parezca que el cuadro fué pintado de noche, lo hizo pintó durante el día. Lo pintó a mediados de 1889, trece meses antes de suicidarse. Desde 1941 forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Este cuadro está considerado la gran obra de Van Gogh y ha sido reproducido en varias ocasiones. Como podemos observar en el primer plano hay un ciprés, planta que a Van Gogh le gustaba mucho. El cuadro está echo con pinceladas, ya que si nos acercamos no podemos distinguir que es cada cosa. Esas pinceladas estan echas en forma de círculos y es lo que hace que se tan bello este cuadro. Este cuadro me gusta mucho porque me parece increible que lo halla dibujado de día y en el cuadro se relfeje lo que ve desde la ventana de su habitación pero de noche.

http://es.wikipedia.org/wiki/La_noche_estrellada

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El Grito (1893).

Este cuadro lo pintó Edvard Munch. Nació el 12 de Diciembre de 1863 en Löten, Noruega, y comenzó a pintar a la edad de 17 años, consiguió una beca en 1885 y se pudo marchar a estudiar a París.En 1908 una profunda depresión le conduce a un sanatorio mental, algo restablecido, regresa a su Noruega natal y se retira a trabajar, hosco, acosado por sus fantasmas, en una granja cerca de Oslo, en estricta soledad, en absoluto aislamiento.
Falleció el 23 de enero de 1944, cuando Europa era devastada por la locura nazi y la tenaza aliada, como si la historia quisiera darle, tristemente, la razón.

Con este cuadro Munch intenta expresar el miedo que tiene el hombre a el fin del siglo. La situación personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: tiene una personalidad depresiva y esta traumatizado con las mujeres a las cuales odia e intenta retratar lo más tétricamente posible. En el momento de pintar el cuadro, acaba de fallecer su madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral. El simbolismo de la imagen se refleja en el rostro del protagonista que se encuentra en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. Munch usa colores violentos con los que intenta transmitir al espectador su agitado estado de ánimo. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos que se encuentran en segundo plano. Las formas de esas dos personas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios. Tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor. He elegido este cuadro porque es uno de los más famosos de Edvard Munch. En este cuadro Munch interpreta su estado de ánimo ya que siempre fue una persona muy depresiva.

http://html.rincondelvago.com/el-grito_edvard-munch.html

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Guernica.

El Guernica es una de las obras más tristes que se han pintado ya que representa un acercamiento a lo que significa una guerra, en este caso, un bombardeo. La pintó Pablo Ruiz Picasso en el año 1937. Pablo Ruiz Picasso, también conocido como Pablo Picasso fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista. considerado uno de los mayores artistas del siglo XX. Se declaraba pacifista y comunista. Falleció el 8 de abril de 1937 en Notre-Dame-de-Vie.

A la izquierda del cuadro hay un toro con el cuerpo oscuro y la cabez blanca.
Bajo el toro se ve a una mujer, cuyo dolor está representado en sus ojos que tienen forma de lágrimas, al sostener en sus brazos a su hijo ya muerto, por eso el niño no tiene pupilas en sus ojos. En el suelo aparece un hombre descuartizado, que se convierte en el símbolo visual de la matanza. En el centro del cuadro la yegua es el símbolo del dolor máximo. Desde la parte derecha entra una mujer con las nalgas al descubierto; sobre este hecho existe una anécdota que dice que con el cuadro sin terminar Pablo Picasso dijo que a la mujer le faltaba algo y fue a por un rollo de papel que le pegó en la mano, queriendo decir que el bombardeo sorprendió a la mujer en el baño. Por la ventana entra una mujer de un modo surrealista. Totalmente a la derecha aparece una mujer que cae envuelta en llamas de un edificio que arde. Finalmente si observamos hacia donde se dirigen las miradas de los personajes vemos que los que están ubicados desde la yegua hacia la derecha miran hacia el lado izquierdo, incluida la yegua. Es un cuadro pintado en un tiempo de guerra. He elegido este cuadro ya que representa lo mal que se vivía en aquella época a causa de la guerra.

El sueño.

El sueño es una obra del pintor Gustave courbet. La pintó en el año 1866 y actualmente se encuentra en el Museo del Petit-Palais, de París, Francia. Se trata de un cuadro de carácter sensual. Lo protagonizan dos mujeres desnudas durmiendo sobre unas cortinas de terciopelo puestas sobre una cama. Trataba un tema morboso para la época: la relación sexual entre dos mujeres. Se cree que, por la expresión del rostro, la mujer de cabellos rubios tiene un sueño erótico. En primer plano, sobre una mesita de madera, hay un cáliz y un collar de perlas roto, representando este último símbolo de arrepentimiento. He elegido este cuadro porque
en aquella época también se veía mal que dos personas del mismo sexo estuvieran juntas por el mero hecho de ser homosexual.

Saturno devorando a un hijo.

Saturno devorando a su hijo es una obra del pintor Goya. La pintó entre los años 1820-1823 y está expuesta en el Museo del Prado de Madrid. Esta obra refleja como Saturno devora a su hijo tras saber que de no ser así este terminaría por destronarle. La luz es una característica muy importante ya que enfoca directamente en la cara de Saturno y al cuerpo de su hijo. No es una obra muy realista ya que es una obra inventada por Goya. Saturno devorando a su hijo pertenece a la pintura pre-expresionista. Con esta obra Goya quiere transmitir de forma simbólica como las tropas del Imperio Francés, al mando de Napoleón, invadieron España y como el pueblo español fue reprendido por los franceses. Napoleón y su ejercito sería Saturno mientras que su hijo sería el pueblo español. Por lo tanto es una crítica hacia las tropas napoleónicas. He elegido este cuadro porque me parece muy fuerte ver como un padre se como a su hijo.

Oficial de cazadores a la carga.

Oficial de cazadores a caballo de la guardia imperial, a la carga la pintó Théodore Géricault en el año 1812. Fue su primera gran obra y se presentó por primera vez en el Salón de París en 1812. Esta obra se le ocurrió a Géricault cuando, estando en una fiesta, el ruido hizo que un caballo se pusiera nervioso de repente y rápidamente hizo una serie de bocetos. Gracias a esta pintura consiguió la medalla de oro en el Salón de París en 1812. La obra representa a un oficial de caballería sobre su caballo, preparado para atacar. El ruido de los cañones encabrita al caballo. De esta manera el oficial queda por encima del polvo de la batalla. El cuadro mide 349 cm de alto por 266 cm de ancho.

El Temerario remolcado a dique seco (Turner).

El Temerario remolcado a dique seco es una de las obras más conocidas del pintor William Turner.La pintó en 1838 y mide 91 centímetros de alto y 122 centímetros de ancho.Actualmente se conserva en la National Gallery de Londres (Reino Unido).La pintura representa una escena en la que Turner fue testigo: el destino final del HMS Temeraire, en el momento en el que es remolcado desde la base de la flota, Sheerness, en la desembocadura del Támesis, hasta su destino final: el desguazador. Es una reflexión sobre el fin del imperio inglés de como los días de gloria ya han pasado y el que fuera el mayor símbolo del poder del ejército inglés, navega rumbo a su muerte. Era uno de los cuadros preferidos de Turner por eso lo he elegido.

Jean-François Millet (Las Espigadoras) (1848).

Es su cuadro más famoso.Representa la pobreza de unas mujeres campesinas inclinadas en el campo para recoger las sobras de los campos cosechados, es una potente y eterna declaración sobre la clase obrera.Esa obra se encuentra en París, en el Museo d'Orsay.Recoger lo que ha sido dejado después de la cosecha era visto como uno de los trabajos más denigrantes de la sociedad. Sin embargo, Millet describe a las mujeres de forma heroica, de forma tal que son lo principal en la pintura. Previamente, había pintado sirvientes, pero generalmente en un segundo plano, con un noble o un rey siendo el personaje principal. La forma de las tres figuras, casi como una silueta contra la iluminación del campo, muestran balance y armonía.

Jean-François Millet.

Jean-François Millet (1814-1875) fue un pintor realista y uno de los fundadores de la Escuela de Barbizon en la Francia rural. Se destaca por sus escenas de campesinos y granjeros. Nació en la aldea de Gruchy, municipio de Gréville-Hague, Normandía, pero se mudó a París en 1839. Recibió su enseñanza académica con Paul Dumouchel, y con Jérome Langlois en Cherbourg. Después de 1840 se alejó del estilo de pintura oficial y cayó bajo la infuencia de Honoré Daumier, de quien aprendió el sentido del contraste de luces y sombras, así como la construcción del cuerpo humano, con simplicidad de volúmenes. En 1849 llegó a Barbizon, entrando en el círculo de la escuela que toma el nombre de esta localidad. Millet, poseía un profundo sentido de la naturaleza, al igual que Théodore Rousseau: la interpretaba (más que reflejarla sin más) comprendiendo las voces de la tierra, los árboles o los senderos. Millet afirmaba sentir en la naturaleza más de lo que los sentidos le daban. El tono a ratos sentimental de sus obras (El Ángelus) le aleja un tanto del otro gran realista, Courbet, más áspero y rebelde. Millet y Rousseau pronto intimaron y Rousseau, con más recursos económicos ayudaba al pobre Millet. Ambos murieron en Barbizon con pocos años de diferencia y se encuentran enterrados a muy poca distancia uno de otro.